5 Momente, in denen mich die Fotografie zu einem besseren Designer machte

Obwohl Fotografie Teil der meisten (wenn nicht aller) Designlehrpläne ist, habe ich mich erst vor Kurzem entschieden, mein Wissen über die Grundlagen hinaus zu vertiefen.

Es ist vielleicht nicht offensichtlich, dass Fotografie und Design komplementäre Bereiche sind, aber sie haben sicherlich unterschiedliche Konzepte.

Darüber möchte ich heute sprechen: Wie die Fotografie meinen Designprozess verbessert hat.

Das Ziel besteht hier nicht darin, sich mit den technischen Aspekten zu befassen (ein umfangreiches Thema, das ich als Fotograf immer noch beschäftige), sondern darin, Konzepte hervorzuheben, die ich in meiner täglichen Arbeit als Designer bei Rock Content angewendet habe , was einen Unterschied in meiner täglichen Arbeit macht.

1. Die Denkweise des Anfängers neu entfachen

Wenn wir anfangen, etwas zu lernen, das uns interessiert, werden wir offener für das Üben, Experimentieren und Lernen aus unseren eigenen Fehlern. Dies ist ein idealer Moment, um die Kreativität anzuregen und sich neue Möglichkeiten vorzustellen.

Bei der Fotografie ist das nicht anders.

Der Erwerb von Kenntnissen über neue Rahmungstechniken oder das Erlernen von Doppelbelichtungen zeigt beispielsweise, wie fotografische Konzepte Layouts mit einem zusätzlichen Hauch von Originalität bereichern können.

Andererseits kann ein „Experte“, der die Grundlagen beherrscht und Erfahrungen gesammelt hat, in die Falle tappen, in Prozessen stecken zu bleiben, von denen er bereits weiß, dass sie effizient funktionieren, und so die Kreativität behindern.

Der Beginn meiner fotografischen Reise hat die Anfängermentalität in mir wiederbelebt und den Wunsch nach Experimenten und der Entdeckung neuer Prozesse neu entfacht.

2. Beim Kompositionsstudium

Dies ist eine Disziplin, die sowohl Design als auch Fotografie teilen.

Prinzipien wie Symmetrie (oder deren Fehlen), Ausgewogenheit, Drittelregel, Führungslinien, Rahmung und die goldene Spirale sind für Layouts und Fotografien gleichermaßen relevant.

Beim Studium der Fotografie geht es darum, die räumliche Wahrnehmung zu verstehen und zu verwalten, also die räumlichen Beziehungen zwischen Elementen innerhalb eines Bildes.

Die Verbesserung dieser Wahrnehmung trägt dazu bei, die Verteilung und Anordnung der Elemente innerhalb eines Layouts zu verbessern.

Ein weiteres interessantes Beispiel ist der Zusammenhang zwischen den unterschiedlichen Rahmungen von Designelementen und den unterschiedlichen Brennweiten fotografischer Objektive.

Horizontalformatige Stücke wie Banner ähneln breiteren Rahmen, die durch Weitwinkelobjektive erzeugt werden.

In den sozialen Medien dominiert jedoch das Hochformat der Smartphone-Kameras (meist 1080x1920 Pixel).

Daher erfordert das gleiche horizontale Banner, das zuvor erwähnt wurde, eine vertikale Version, um beispielsweise auf Plattformen wie Instagram Stories geteilt zu werden.

Durch das Studium der fotografischen Komposition erhält der Designer ein vielseitigeres Arsenal an Möglichkeiten, grafische und textliche Elemente entsprechend dem Format jedes Stücks zu organisieren.

3. Beim Studium des Geschichtenerzählens

Storytelling ist eine weitere Disziplin von größter Bedeutung in der Fotografie.

Dadurch erhält das Festhalten von Momenten eine tiefere Bedeutung und einen tieferen Zweck, ähnlich wie ein Kunstwerk beim Betrachter Empfindungen und Eindrücke hervorruft.

Durch die Verbesserung der Fähigkeit des Geschichtenerzählens in der Fotografie integriert der Designer ein leistungsstarkes Werkzeug, um seine Layouts ansprechender und ansprechender zu gestalten, indem er Bilder nicht nur zur Kommunikation, sondern auch zum Erzählen von Geschichten und zum Hervorrufen von Emotionen verwendet.

Das Ergebnis ist noch wirkungsvoller, wenn wir Bild und Text kombinieren, um beispielsweise auf kreative Weise eine Geschichte zu erzählen, die zum Konzept einer Kampagne passt.

4. Im kreativen Prozess

Design und Fotografie teilen sich die Phasen des kreativen Prozesses, die von der Konzeption eines Shootings oder einer Kampagne über das Experimentieren, die Erstellung von Versionen bis hin zur endgültigen Verfeinerung reichen.

Das Studium der Fotografie ist nicht nur eine Möglichkeit, diese Prozesse zu üben, sondern auch die ästhetische Sensibilität und kritische Analyse zu verbessern, die im kreativen Prozess unerlässlich sind.

Fotografie schärft auch die Fähigkeiten zur visuellen Problemlösung, da schnelles Denken erforderlich ist, um bestimmte Momente mit geeigneten Einstellungen festzuhalten, sich an die Beleuchtung anzupassen, den besten Zeitpunkt für die Aufnahme zu planen und zu improvisieren, wenn etwas vom Plan abweicht.

5. Die Welt um mich herum beobachten

Schließlich hat die Fotografie meine Beobachtung der Welt um mich herum intensiviert.

Das Gefühl, dass jederzeit ein unglaubliches Foto entstehen kann, macht einen einfachen Abendspaziergang durch die Nachbarschaft zu einer fotografischen Expedition und einer reichen Sammlung an Referenzen.

Auf diese Weise kann ich mit nur wenigen Schritten mehr Aufmerksamkeit auf die Beleuchtung des Sonnenuntergangs (die „goldene Stunde“), auf Menschen in Bewegung (die authentische Alltagsporträts erzeugen), auf bisher übersehene Vogelarten, auf Farb- und Texturkombinationen in Stoffgeschäften, und vor allem die Schönheit, die alles umgibt.

Dieses geschärfte Bewusstsein und die kontemplative Perspektive auf die Welt haben meine Kreativität beim Mischen von Farben, Typografie, Illustrationen und grafischen Elementen wiederbelebt.

Wenn Sie zögern, mit der Aufnahme von Bildern zu beginnen (oder fortzufahren), kann ich getrost sagen, dass es sich gelohnt hat.